微节目单 | “北欧之光”——尹炯杰、朱丹与中国交响乐团音乐会

中场休息

Intermission

曲目以现场演出为准

Programme is Subject to Change

代博，杰出的青年作曲家、钢琴家与羽管键琴家，现任中央音乐学院作曲系教师，并担任中国科学院“人类、艺术与类脑人工智能”项目艺术顾问，同时也是维也纳环球出版社签约作曲家。其创作体裁多元、成果丰硕，屡获国内外重要委约，代表作有《大漠孤烟》《追怀》《Cosmotemporality》等，涵盖民族室内乐、协奏曲、重奏等多种形式，作品先后在纽约、波兰等地首演。影视配乐方面，为《影响世界的中国植物》《再登地球之巅》《智能时代》等央视大型纪录片创作原声。

《看不见的山》，在此象征着东方式的神秘和向往，峰峦叠嶂，深蕴而丰实，是意念中追寻的神圣、永恒而壮阔的精神力量。

此曲中，“山”的意象包括三层含义：其一，是超出人短暂生命的永恒存在；其二，作为人征服自然同时又与自然相融合的美景；其三，则指人心中的某种无可逾越的隔阂与壁垒。

全曲的结构是由一个序及帕萨卡利亚变奏曲组成。在序中，处于高音区的乐器采用西方的七声音阶，处于低音区的乐器则采用中国五声音阶，两个音阶的结合恰好形成十二平均律中的12个音；帕萨卡利亚变奏曲的主题则是由一个具有中国山歌风格特征的旋律加半音化处理得来。

自帕萨卡利亚主题出现开始，乐队气势不断增长，历经十一个变奏；随后则是以室内乐形式呈现的三个变奏，这里可视为全曲的呼吸；此后出现一个赋格段将全曲推向高潮。赋格主题由帕萨卡利亚主题衍变而来，在高潮部分乐队采取支声写法，从中音区向高低音区两侧展开。在尾声段落中弦乐器的泛音以和弦的形式再次呈现帕萨卡利亚主题，并引出以独奏弦乐器奏出的帕萨卡利亚变奏，逐步将音乐推向最后的辉煌。

卡罗尔·席曼诺夫斯基(Karol Szymanowski, 1882-1937)是继肖邦之后波兰最重要的作曲家，是20世纪上半叶波兰现代音乐最杰出的代表。他一生留下的音乐遗产异常丰富，其重要的音乐作品有三部交响曲、芭蕾舞剧《哈尔纳西》、两部小提琴协奏曲、一部钢琴协奏曲（也称第四交响曲）、大型声乐器乐曲《圣母悼歌》、小提琴音诗《神话》，以及20首玛祖卡舞曲等大量钢琴音乐作品。

《第二小提琴协奏曲》创作于1932年至1933年间，是作曲家于1937年去世前的最后一部主要作品，题献给他的挚友——小提琴家帕维尔・科汉斯基。1933年10月6日由科汉斯基与华沙爱乐乐团在华沙首演。作品摆脱了早期新印象主义的精致画风，转向更具力量感的民族风格，展现出独特的“想象中的民俗”创作理念。席曼诺夫斯基并未直接引用民间曲调，而是借鉴斯特拉文斯基与巴托克的创作手法，提取塔特拉山区古拉尔民间音乐的核心特征进行艺术转化。作品以鲜明的旋律轮廓、独特的调性结构为基础，融合了高地小提琴手的演奏风格，形成兼具民族性与现代感的音乐语言。

这部协奏曲打破了传统结构的桎梏，采用单乐章形式，四个性格迥异的段落无缝衔接，形成精妙的“拱形结构”。演奏时长虽仅二十余分钟，却在紧凑的结构中呈现出丰富的色彩与深刻的情感。

第一部分 "Moderato, molto tranquillo"（中速，极宁静）占据全曲核心篇幅，采用内敛的奏鸣曲式构建。开篇以“空五度”低音为背景，独奏小提琴奏出摇篮曲般的主旋律，上行小三度动机，经多样变奏后融入利底亚调式的升高四度音，增添神秘韵味。乐队织体细腻醇厚，小提琴穿梭其间，与管弦乐交相辉映，既不张扬也不淹没，与木管对话如山间清泉，跳跃碰撞着，音乐汇聚成溪流，潺潺远去，钢琴的点缀增添了音色层次，在含蓄中酝酿着情感张力。

第二部分 "Andantino Sostenuto"（小行板，持续的）转入温柔抒情的意境，在独奏小提琴与管弦乐器的交织中展开。旋律线条舒展悠扬，多了几分温情与冥想质感，整体氛围静谧而深邃，仿佛是对民族风情的细腻描摹。思绪流转，飘然而落，再度汇入溪流，化为情感的涌动。

作品的点睛之笔是第二与第三部分之间的华彩段，由小提琴家科汉斯基编配并演绎。这段华彩并非单纯的技巧炫示，而是全曲动机的集中升华——上行小三度主题在此被赋予丰富的变奏，从舒缓的吟唱到急促的跳弓，技巧与情感完美融合。它既承接了第二部分的抒情性，又通过节奏的加密与力度的攀升，自然过渡到第三部分的热烈氛围，成为串联全曲情感脉络的关键枢纽，尽显小提琴的表现力与作曲家的结构巧思。

第三部分 "Allegramente-Molto Energico"（欢快地，极富活力）画风突变，注入波兰高地民族音乐的“野性”气息，粗犷的民间舞曲节奏贯穿始终，旋律轮廓鲜明有力。独奏小提琴以灵动的三连音动机引领，木管声部呼应出嘹亮的风笛般音色，铜管与打击乐的加入更添节庆的欢腾。中段则回归温柔，独奏小提琴与木管展开深情二重唱，形成热烈与内敛的鲜明对比。小提琴的演奏充满激情，快速音阶与双音技巧交织，展现出“波兰式的粗粝”，彰显出民族音乐的蓬勃生命力。

第四部分 "Andantino-Molto Tranquillo"（小行板，极宁静）回归开篇的宁静基调，形成“拱形结构”的完美闭环。主旋律以辉煌的升华形态重现，不再是开篇的内敛，而是充满凯旋般的庄严与喜悦。乐队与独奏小提琴融为一体，音色明亮璀璨，最终在节庆般的欢腾氛围中收尾，既呼应了主题统一性，又完成了情感的圆满升华。

整首作品以单乐章承载四重意境，华彩段串联起抒情与热烈的两极，既扎根于波兰民族音乐的土壤，又以交响化的构思拓展了协奏曲的边界，成为席曼诺夫斯基将民族性与艺术性完美融合的典范之作。

让·西贝柳斯(Jean Sibelius, 1865-1957)，芬兰作曲家，是北欧最伟大的交响曲作曲家之一，也是19世纪下半叶民族乐派全盛时期的代表人物。“在19世纪最后几年，西贝柳斯从西欧完成学业回到祖国时，芬兰的艺术、民间音乐、古老的民族史诗《卡莱瓦拉》以及芬兰语言本身，都在经历一场伟大的复兴。西贝柳斯加入了一群热情奔放的年轻作家、画家、诗人、音乐家、剧作家、评论家和学生，这些爱国人士在各自领域重新发现了芬兰伟大的文化遗产。西贝柳斯的音乐正是体现了这种影响。”（爱德华·唐斯）与格林卡、斯美塔那、格里格等被誉为各民族音乐之父的大师一样，西贝柳斯的音乐深刻表达了民族的心声，展现了芬兰的历史、英雄的人民以及祖国山河的壮丽魅力。他的主要作品包括七部交响曲、一部小提琴协奏曲、多部交响诗（其中《芬兰颂》和《图内拉的天鹅》最为著名），以及戏剧配乐、室内乐和声乐作品等。

西贝柳斯在音乐创作上的杰出成就主要体现在交响曲和交响诗中，他的彼此互不相同的7首交响曲代表了当代对交响曲这一重要音乐形式的进一步丰富和发展，使他称得上是二十世纪最伟大的交响曲作曲家之一。在这七部交响曲中，西贝柳斯显示了对于形式的独特把握以及对于管弦乐配器艺术的完美运用。更重要的是，西贝柳斯的每一部交响曲都显示了对交响乐的深入探讨，正如音乐学家罗伯特·莱顿所说的：“同19世纪和20世纪早期的几乎任何一位交响曲作曲家相比，西贝柳斯从一部作品向另一部的发展都显得难以预料：从前一部作品中根本无法预见下一部的特征和结构。就精神上的历程而言，从第一到第七的发展超过了勃拉姆斯从第一到第四，尽管在表现人类体验的宽广性方面可能不及他的前辈大师们。”

比较而言，他的第一、第二交响曲更为大众所喜爱。第一交响曲创作于1898年至1899年。勃拉姆斯曾说，当贝多芬这位巨人的步伐声仍在他耳边响起时，他很难有充分的勇气创作交响曲。对于西贝柳斯来说也是如此。首先，像他这样一位以“交响乐思想家”著称的作曲家对待交响曲创作极其认真；而且直到1898年，当西贝柳斯为剧作家阿道夫·保罗的《国王克里斯蒂安二世》一剧写配乐时，他还在抱怨：“我们整个国家一共才有两位大管演奏员，其中一位还患了肺痨。”

尽管如此，当西贝柳斯于1899年4月26日在赫尔辛基指挥他的第一交响曲首演时，这座小城的听众报以巨大的热情，而且很快就认定这是一部出自年轻大师的杰作。

西贝柳斯早期的几部交响曲深受柴科夫斯基的影响，这在第一交响中表现得最为明显。但西贝柳斯自己的独特声音、他在后来更加成熟的作品显示出的个人风格已基本确立。我们不难从中感受到芬兰民族的精神，它来自北欧的海湾，来自芬兰的森林、冰川和崇山峻岭。

第一乐章 不太快的行板转有力的快板，奏鸣曲式。开头是一个简短的引子，由独奏单簧管吟唱出非常宁静的旋律。它以寥寥几笔描绘出孤寂平静的意境。之后的快板部分第一主题有一种不可遏制的力量和冷峻的穿透性，发展到强奏时爆发出巨大的威力。副部主题从引子中的单簧管旋律发展而来，蕴含着浪漫主义的热情和渴望。简短的发展部充分展现了管弦乐队中铜管乐器合奏所具有的丰富和壮丽。隐现其间的是两把独奏小提琴细腻、柔美的二重唱，这是西贝柳斯在配器上充满想象力的神来之笔。

第二乐章 不太慢的行板转广板，开始部分饱含忧郁情调，但正像西贝柳斯其他交响曲一样，慢乐章并不只是深思冥想或平静的抒情，其中不乏复杂的变化、对比和激烈的冲突。

第三乐章 谐谑曲，快板，前后两部分有着强烈的节奏感和苍劲尖锐的主题，中间部分以徐缓的抒情和田园色彩与之形成对比。

第四乐章 终曲（接近幻想曲风格），行板转很快的快板，开头，全体弦乐非常响亮、饱满地演奏第一乐章引子中的单簧管旋律。铜管乐器以激烈而锋利的断奏和弦为之伴奏，造成强烈的悲剧感。这一乐章的音乐形象十分丰富，给人以深刻印象的主题接踵而至，不断形成强烈的高潮。最后，音乐到达壮丽的巅峰，留给人的印象恰如指挥大师卡拉扬（他是西贝柳斯作品的始终不渝的积极倡导者）所描述的——西贝柳斯的音乐常常让人想到海面上那些巨大的冰山。